Ce projet est né lorsqu’il m’a été demandé, en tant que danseur professionnel, d’écrire un texte à propos du « corps du danseur » pour un colloque de psychanalyse intitulé « Le corps dans tous ses éclats ». 

Je me suis demandé ce qui était en jeu dans la notion de « corps du danseur », confrontant la juxtaposition de ces deux termes à leur définition propre. « Qu’est-ce qu’un corps? », « Qu’est-ce qu’un danseur? », et qu’est-ce qui rend leur combinaison en tant que telle spécifique? 

Définir à la fois « corps » et « danseur » n’étant pas une aventure que j’avais envie d’entreprendre à ce moment-là, je choisis par conséquent de me concentrer sur le terme de « danseur » comme 

« danseur professionnel », et tentai d’identifier dans quelle mesure le corps d’un danseur devait être considéré comme particulier, spécial, différent, unique. 

Je dressai une liste d’adjectifs qui, d’après moi, pouvaient déterminer cette spécificité, depuis mon expérience de la pratique de la danse, du monde de la danse, et des danseurs, et ne pus m’empêcher de constater qu’aucun de ces adjectifs n’était purement spécifique au danseur. 

Un élément à notifier fut l’importance de la musique, musicalité, dans la danse. Il y a toujours de la musique dans un corps dansant. Toujours une considération et un usage des durées et des rythmes; même quand la musique est silence, même si le danseur improvise, une partition est toujours générée, qu’elle soit ou non mesurée, étant faite de vitesses, d’arrêts, d’élans et de suspensions. Mais ceci est une qualité de la danse, de n’importe quel corps qui danse, et non un attribut des seuls danseurs ». 

Un deuxième élément qui apparut fut celui du mythe autour duquel se construit le danseur, un mythe institutionnalisé à l’intérieur du milieu de la danse et rayonnant dans l’imaginaire extérieur, et élaboré à travers le culte de l’effort: le mythe selon lequel le corps façonné, sculpté, est le fruit d’un nécéssaire labeur, travail toujours plus dur, toujours plus intense, toujours « plus », s’accompagnant de l’idée qu’un corps douloureux est un corps qui a bien travaillé, la douleur se faisant l’échelle de mesure du travail, et l’absence de douleur le témoin suspicieux de manque ou carrément d’absence de travail. Cette manière de penser et d’approcher le mouvement est donc centrée sur le « faire-toujours-plus », plus grand, plus rapide, plus haut, plus longtemps, avec l’idée que sous un certain niveau d’énergie, « rien n’existe », que le problème de la douleur se règle par l’ « habitude », que la souffrance est nécessaire au progrès d’une part, rempart contre l’échec d’autre part. Le confort est banni, l’aisance n’est qu’acquise. D’ailleurs, Martha Graham, « considérée par beaucoup comme la plus importante danseuse du XXème siècle et la mère de la Danse Moderne » (biography.com), parlait des deux qualités d’un danseur au sommet de sa force: la spontanéité et la simplicité. Mais elle précisait que la spontanéité ne pouvait se manifester qu’après des années d’entraînement et jamais par hasard, et que la simplicité, l’état de complète simplicité, « ne coûte pas moins que tout ». Selon ce mythe, avec pour porte-étendard les mécaniques productivistes (rapport effort/résultat) et compétitives (« être le meilleur » et/ou « se dépasser »), le corps du danseur est pour beaucoup le paradigme de la pensée générale actuelle développée au travers du « faire », et est au passage sacrifié sur l’autel du succès. 

Un autre aspect auquel je pus penser comme étant cette fois non pas spécifique au monde de la danse mais bien un trait fondamental et imposant pour le danseur, fut celui du corps mis en scène, se présentant constamment devant un public, que ce public soit fait de ses pairs, ses professeurs, ses employeurs, ou formé par la masse anonyme des spectateurs lors d’une performance. Il y a par conséquent l’importance, pour ne pas dire le poids, de la présence du regardeur (y compris le danseur se regardant lui-même) intrinsèquement liée à la condition du corps d’un danseur. Cela amène tout ce qui peut être provoqué par le fait de se placer – se soumettre – sans discontinu sous le – au – regard de l’autre : jugement et pression, satisfaction et déception ; cela amène des attentes, que l’on remplit ou pas, mais auxquelles on ne peut que répondre. 

Le corps du danseur, en tant que corps du danseur, est un corps dont on attend toujours quelque chose et un corps toujours dans l’attente. 

De ces attentes émerge un mouvement: entre avant et après, quelque chose s’est passé, quelque chose a changé, quelque chose a bougé. 

Cette vidéo est donc le fruit de l’observation de ces trois éléments dans le cadre de notre problématique, qui sont l’importance de la musique, l'usage de ce corps de danseur, et ce mouvement entre ce qui est présenté, ce qui est regardé, et ce qui est finalement vu. 

De cette réflexion sur « le corps du danseur », le champ de discussion s'est élargi, et l'élaboration de cette vidéo a soulevé les questions suivantes : 

Comment les attentes en question sont-elles ou non remplies? 

Comment un danseur se satisfait-il lui-même dans la présentation de son corps au regardeur, et comment le regardeur regardant le danseur se satisfait-il lui-même? 

Pourquoi y a t-il un besoin d’attentes-à-remplir ?

D’où vient ce besoin ? 

Qu’est-ce qu’il y a à satisfaire? 

Qu’est-ce qui procède de la rencontre entre ce qui est vu et ce qui est présenté ?

Où se passe cette rencontre? 

Qui crée et qu’est-ce qui est créé?